03 - La ilustración contemporánea

Sección Martes 7.30 am

ASHLEY WOOD'S D'AIRAIN AVENTURE #1

¿La ilustración puede llegar a ser arte?
Abordar desde la pintura, el comic, hasta la ilustración. ¿Se puede manifestar como una forma nueva de pintura en base a sus temáticas? ¿Qué pasa con la ilustración digital? Analizar desde el punto de vista estético y desde un punto de vista técnico. ¿Qué pasa con la tendencia que se ha desatado hacia la ilustración en las escuelas de arte? Analizar la ilustración como una producción comercial (portadas de discos películas videojuegos, etc). La infuelncia de la pintura en ésta -novela gráfica- narrativa secuencial. Ilustración a la animación y al cine. Son algunas de las inquietudes que me gustaría analizar en la siguiente sesión, me gustaría escuchar las opiniones y resolver algunas dudas, dejo aquí algunos links con trabajos de algunos ilustradores contemporáneos.
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http://vimeo.com/4268026   http://www.mckean-art.co.uk/   http://www.kekaiart.com/  
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Alan Moore, Frank Miller, Dave Mckean, Alan Grant, Grant Morrison, Jodorwsky Moebius, Ashley Wood.

Comentarios

  1. Como pudimos darnos cuenta en la sesión, el tema de la ilustración es muy amplio, “en los círculos del arte de hoy es difícil encontrar un artista que su trabajo, en el fondo, no ilustre algo”, pienso que hubiera sido bueno especificar mas de que tipo de ilustración íbamos a hablar, desde mi parecer la idea de Marco no era tan generalizada, pero tal ves por falta de especificaciones precisas de acuerdo al tema hubo confusiones, así que me pareció buena idea que se diera otra sesión para poder discutir sobre un tema mas en particular (ilustrador o ilustración).

    Quisiera basar mi comentario en responder de una forma muy sintetizada algunas de las interrogantes que nos formulo Marco, mismas que abordamos en la sesión:

    1.-¿La ilustración puede ser considerada arte? Como lo dije en la sesión, me parece que es una cuestión no solo de técnica, sino mas del enfoque, concepto y sentido que el creador le de a dicha ilustración. Puede haber ilustraciones desde mi parecer muy buenas y otras que de verdad no me generan nada. Existe una compleja diversidad de manifestaciones artísticas, y las teorías sobre lo que hace a una creación arte son variadas y el concepto no ha sido homogéneo a través de las épocas. Por lo tanto no creo que podamos definir si la ilustración en general es o no arte, podemos discutir si para nosotros en particular lo es, pero no generalizar.

    2.-¿Se puede manifestar como una forma nueva de pintura en base a sus temáticas? Muchas pinturas desde la antigüedad, son al igual que la ilustración escenas estáticas con un personaje y un escenario, parte de una historia, por lo cual no considero que sea una nueva forma de pintar. Las temáticas de las ilustraciones que nos muestra Marco como ejemplos son historias épicas, de mundos fantásticos, guerras y amor, muchas de ellas perfectas en cuanto técnica, pero vacías en contenido, y otras tantas como lo dijimos en la sesión si las alejamos del resto y la colgamos en un museo, sería una verdadera pintura artística.

    3.-¿Qué pasa con la ilustración digital? Analizar desde el punto de vista estético y desde un punto de vista técnico: Como nos hemos podido dar cuenta, no solo la técnica hace a una creación obra de arte, una comparación para mi podría ser la fotografía digital, no por ser digital disminuye su valor, ya que este también se encuentra en su contenido.

    4.-¿Qué pasa con la tendencia que se ha desatado hacia la ilustración en las escuelas de arte? Esta pregunta no me queda del todo clara. En nuestra escuela la ilustración no se ve de una manera especifica y particular, pero cabe dentro de los talleres de arte y nuevas tecnologías y fotografía de una manera un tanto indirecta (por mencionar un ejemplo, vemos animación y es una secuencia de imágenes muchas de ellas acompañadas de textos). Pienso que no se le da la importancia como ilustraciones en si, sino como mero auxiliar de producción visual al igual que el diseño.

    5.-Analizar la ilustración como una producción comercial: “En la sociedad actual, donde la comunicación de masas es primordial, la publicación impresa accesible por millones de personas supone ser el museo en las calles”. En este sentido me parece que la ilustración es genial ya que tiene la cualidad de ser adquirida por la sociedad con mas facilidad, es una buena herramienta para llegar a las personas, inquietar, producir y concientizar sobre las problemáticas actuales de nuestra sociedad, por lo tanto veo importante y preocupante que tipo de ilustraciones son las que se adquiere mas, ya que probablemente solo un pequeño porcentaje sean personas criticas que adquieran buenas ilustraciones (comics, revistas, libros, etc.) y el resto solo adquiera ilustraciones de entretenimiento. Por desgracia muchas de las ilustraciones son utilizadas con fines meramente propagandísticos y de entretenimiento, lo cual me parece lamentable.

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  2. La pregunta planteada por el director de la sesion cuestiona acerca de si se podía considerar a la ilustración, arte? ....
    Yo Israel concidero que si;
    La ilustración ha sido situada entre medias del arte y el diseño. Sin ser considerada totalmente en el campo del diseño, tampoco es apreciada como creación de arte. Pero a lo largo de la historia se ah dado el caso de muchas obras emblemáticas de ilustración , consideradas arte; Entonces ¿en que genero podríamos considerar a la ilustración?
    Desde mi perspectiva creo que la ilustración es un genero mas de la variedad de corrientes artísticas forjadas a la necesidad de nuevas creaciones, desde Lautrec hasta Warhol , centenares de artistas han demostrado buenas ilustraciones consideradas obras de arte, Pero entonces ¿cual es el factor determinante que nos dice Cual es ilustración y cual es obra de arte?

    Técnicamente la ilustración es estupenda, tiene un manejo del dibujo casi perfecto , maneja la variedad de tonos y colores con claroscuros e inclusive en algunos casos muestra hiperrealismo y una variedad de encuadres que la hacen estupenda, pero si bien es cierto muchas de ellas manejas temáticas o conceptos muy pobres o con poco contenido ¿será este acaso el detonante del potencial de una ilustración para considerarse arte o no? Creo que si Ya que el contenido o la temática es un fuerte factor para decidir que tan buena o interesante es una obra , el potencial de una obra de arte varia en su capacidad de alcance en cuanto a su contenido , en este caso creo q la ilustración podría entrar en esta cuestión,
    si bien es cierto que no todas las obras de arte son buenas , al igual en el mundo de la ilustración tampoco , pero hay sus excepciones, Esto no quiero decir que me conforme con tener un pensamiento posmoderno y decir q todo es una variante pero; analizando obras de grandes ilustradores Dave Mackeen se hace presenté el mas claro ejemplo de que una ilustración puede llegar a elevase al grado de obra de arte, por eso creo q gran parte de la ilustración puede ser considerada obra artística.

    Como conclusión creo que en la sociedad actual , la comunicación de masas es primordial y algunos medios impresos, como las ilustraciones pueden llegar a ser la forma mas cercana de arte a la cultura de masas, la ilustración es un genero que apenas comienza a definirse y a encontrar un rubro al que va destinado..

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  3. BRISEIDA TOLENTINO ARRÉS
    SECCIÓN 03

    Considerar o no la ilustración como arte creo es una tarea meramente personal y particular desde el punto de vista de cada uno, ya que como lo hemos venido diciendo antes, no todo lo que se dice “arte” lo es en realidad, creo que lo mismo pasa en el mundo de la ilustración, “no toda ilustración es arte” aunque tampoco considero razón suficiente de encasillar a la ilustración como una forma de diseño solo por el simple hecho de ser accesible para un mayor flujo de personas, a diferencia de una obra de museo.

    Creo también que intentar definir el concepto de que es ilustración va por el mismo camino de su controversia de si “es” o no arte, ya que sucede el mismo problema, yo tengo una idea de lo que conozco o sé por ilustración, como lo que los demás entienden o comprenden de ella; en realidad, pienso que abordar este tema en sus generalidades es demasiado extenso, ya que podemos hablar de muchísimos tipos o mejor dicho de géneros diferentes dentro de la ilustración, y durante la sesión me parece que no tocamos ni una mínima parte ellos, mientras que los pocos que fueron analizados iban de un extremo a otro, con un una temática variada entre sí mismos, lo que pienso, llego a ser algo confuso, no tanto por contenido, si no por los marcados acentos de hacia donde se dirigía una o la otra.

    Espero que con la próxima sesión, en donde seguiremos abordando este tema, pero desde un punto de partida más especifico, podamos entender y conocer al mismo tiempo más al respecto, porque, a mi parecer, creo que aun nos quedan algunas dudas sueltas en torno a todo esto.

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  4. ¿Que es Ilustración?
    “El objetivo de todo arte visual, es la producción de imágenes. Cuando éstas se emplean para comunicar una información concreta, el arte suele llamarse ilustración”

    Sin embargo, arte e ilustración nunca pueden separarse por completo, puesto que la última se basa principalmente en el uso de técnicas artísticas tradicionales. Se le considera arte en un contexto comercial. Por lo tanto, las demandas sociales, culturales, de difusión y económicas, determinan el contenido de esta obra.
    Historia de la ilustración. Puntos clave.
    1.- Antecedentes: Su historia se remonta muchos siglos atrás; surge en libros y manuscritos, donde aparece inicialmente como suplemento para evidenciar y complementar la información de textos y escritos, esto lo podemos ver en el legendario Libro de los Muertos y en los Papyrus Ramessum que datan aproximadamente del s.XIX a de C. así mismo hay otros vestigios de la aparición de gráficos y dibujos en culturas tan antiguas como la egipcia, donde se han encontrado bajorrelieves y grabados, lo cual constituye una valiosa información sobre su desarrollo y progreso cultural.

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  5. 2.- Edad Media
    En la edad media, mediante la llamada iluminación de manuscritos, iniciaba ya, la ilustración de los libros impresos. El manuscrito iluminado de los Celtas, en el s. IX, el Libro de los Kells, muestra diseños de patrones intercalados, basados en formas tipográficas. Este tipo de trabajos religiosos, tendían a realizarse comúnmente en monasterios.“Estos salterios, y Libro de las Horas, de los cuales el más celebrado es quizá:Les Trés Riches Heures del Duque de Berry, muestran auténtica maestría en la pintura de miniatura, generalmente sobre papel avitelado, empleando colores brillantes de temple, y oro”.
    La función de la ilustración en la Edad Media, fue de vital importancia, puesto que los únicos que sabían leer en ese entonces, pertenecían a las clases privilegiadas, junto con los escribanos. Sin embargo, las imágenes ilustradas ayudaron de una manera importante a convertir a los paganos a la cristiandad.
    Mientras los escribanos calcaban la tipografía, los ilustradores labraban las pequeñas placas decorativas. Durante las cruzadas creció el interés por obtener textos ilustrados, independientemente de su contenido religioso. En el Imperio Oriental Bizantino, (también en la época de las Cruzadas) se desarrollo de manera importante la creación de íconos en miniatura, arte posterior a la caída del imperio de Grecia.

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  6. 3.- Renacimiento
    En el s. XV, cuando la impresión se realizaba en bloques de madera, las primeras manifestaciones de ilustraciones impresas se limitaban a la reproducción de naipes e imágenes religiosas. Estas impresiones devocionales de santos contenían inscripciones que se grababan en el mismo bloque de madera, siendo una de las primeras interacciones de ilustración y texto.

    En la época del Renacimiento se desarrolló así mismo, la aplicación de la perspectiva dentro de los trabajos artísticos, revolucionándose la apreciación visual de la escala y la proporción mediante las teorías de Brunelleschi; de esta manera l trabajo del ilustrador técnico se vio enriquecido.

    Artistas e ilustradores de la talla de Leonardo da Vinci, Alberto Durero y Rembrand, impusieron un alto grado de meticulosidad y claridad de detalles en sus dibujos técnicos.

    Debido a la trascendencia de los estudios realizados por los artistas, y más aún con la revolución industrial del s. XVIII, el desarrollo y la demanda de ilustraciones técnicas cada vez más complejas, ha crecido considerablemente.

    En Alemania, los Países Bajos, Francia e Italia, los impresores buscaron la mecanización de la producción de libros por medio del tipo móvil como resultado de la creciente disponibilidad de papel y la gran demanda de libros.

    En el s. XV un alemán de nombre Johann Gensfleisch Zun Gutemberg, juntó los sistemas necesarios para imprimir el primer libro tipográfico: la Biblia, volumen en 42 líneas. Para lograr esto, inventó tipos de metal, independientes, móviles y reutilizables creando al mismo tiempo una tinta especial, más espesa y pegajosa para la impresión de estos tipos, que sería empleada por más de 400 años. El desarrollo del primer libro tipográfico alternado con ilustraciones fue: “el Agricultor de Bohmen” impreso por el también alemán Albrecht Pfister alrededor del año de 1460 usando también el mismo tipo de Gutemberg, y palcas de madera. Esta sería la plataforma que permitió ampliar las posibilidades de la ilustración de textos y su reproducción.

    El grabado en madera subsistió por varios siglos, permitiendo la reproducción de línea en alto contraste, razón por la cuál en trabajo con grises fue muy limitado, casi inexistente. Durante el s. XV, la tradición de la impresión de naipes estaba en su apogeo, cuando un artista, cuyo nombre no se conoce, desarrollo los primeros grabados en placas de metal. El empleo del grabado como medio de reproducción de ilustraciones se popularizó aún más en ese siglo con los trabajos ejecutados por Albretch Dürer, a quien después se conocería como el maestro del grabado.

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  7. Ashley Wood y Dave Mckean de los artistas mencionados son los que más me gustan.
    Me parece que la ilustración ahora ya no solo se limita a los comics o carteles ha sobrepasado ese nivel y es por eso que nos confundimos en cuanto a si es arte o no. Lo que creo que se debe tomar a consideración para tratar de ver si es arte o no en este tipo de trabajos seria ver mas allá del soporte, o la técnica que es indiscutiblemente creativa y elaborada, la intención o finalidad de la ilustración creo que será lo que puede definirla.
    Cita: ‘El camino más rebelde y contestatario, anárquico, vamos, es producir pinturas lo más académicas posible con un clasicismo que debe ser de hoy’ (Santiago Toca, ‘Víctor Rodríguez’ Deep. Las reglas del hombre, no.1, Abril 2006).
    Aquí les dejo un link de un artista chileno ilustrador/diseñador que me pareció interesante.
    http://www.anormalmag.cl/entrevistas/vicente-reyes/

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  8. 4.- Siglos XVII y XVIII
    Durante los siglos XVII y XVIII, se publicaron en Holanda libros enriquecidos con obras elaboradas por los mejores artistas de la época; con esto los editores de los Países Bajos gozaron de cierta fama. Dichos grabados contribuyeron a la creación de una escuela de alto nivel en la elaboración de mapas geográficos.

    Este tipo de impresión se destacó por su aumento en el grado de detalle de cada obra, así mismo por la introducción de las escalas tonales del negro al blanco, en comparación con las líneas resaltadas en la impresión de placas de madera.

    Mientras tanto, en la Alemania de 1796, Aloys Senefelder, desarrolla nuevas investigaciones en materia de impresión, las cuales le llevarían al perfeccionamiento de una nueva técnica: la litografía; que resultaría ser de vital importancia y trascendencia en el campo del arte. Hasta entonces, toda impresión se hacia a partir de una superficie en relieve o en hueco, que se entintaba y que después se presionaba sobre el papel.

    La litografía se basa en el sencillo principio químico de que el agua y el aceite no son solubles entre sí; la imagen se dibuja sobre una superficie plana de una piedra con un crayón, pluma o lápiz de aceite, el agua se esparce sobre toda la superficie para humedecer todas la áreas, excepto la imagen previamente dibujada con base de aceite; posteriormente se extiende tinta sobre la misma base, sobre la superficie de la piedra, la cuál se adhiere sobre la imagen, pero no a las áreas mojadas de la piedra. Se coloca una hoja de papel sobre la imagen y se utiliza una maquina de imprimir para trasladar la imagen entintada al papel.

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  9. 5.-Siglo XIX / Willian Blake
    Posteriormente en Inglaterra, uno de los principales ilustradores de comienzos del s. XIX, fue William Blake, quién desarrolló sus propias superficies de impresión empleando un método de aguafuerte en relieve, el cuál, después de la muerte del artista cayó en desuso. Sin embargo, el grabado en madera conservó su importancia principalmente en la nueva industria de las revistas ilustradas, que fue prosperando alrededor de los años de las décadas del 30 y la década del 40 del mismo siglo. A finales de esa centuria, los prerrafaelistas revivieron el interés por el grabado en madera como se aprecia en el trabajo de Edward Burne-Jones, o en obras posteriores de Aubrey Bearsdley incluso en artistas influidos por el Art Nouveau.
    El grabado en madera tenía ventajas considerables como la incorporación de bloques de madera en relieve, junto con los de tipografía de iguales características, dentro de una misma prensa lo que lograba una impresión simultánea. Esté método de impresión es el primero que se realiza a partir de una superficie plana (planografía).

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  10. 6.-Siglo XIX / El Predominio de la Litografía
    Sin embargo las investigaciones para el mejoramiento del proceso continuaron, puesto que la preparación de estas bases para dicho tipo de impresión era demasiado lenta y las hacia muy costosas. La primera edición de Fausto, ilustrada con litografías de August Delacroix, apareció en 1828. Las décadas de 1860 a 1900 fueron la mejor época de la litografía, llegando a ser incluso el método más predominante para impresión. La invención de la cromolitografía en 1851, introdujo el color en las ilustraciones de los libros, que hasta entonces s había limitado al blanco y negro.

    La litografía predominó en el popular arte del Cartel, permitiendo su reproducción a color y con grandes dimensiones.

    El francés Jules Cheret (1836-1932), fue probablemente el verdadero promotor del cartel publicitario, perteneció al movimiento que Robert Koch llamaría “Poster Movement”, cuando creó un estilo propio, con figuras de mujeres alegres luciendo grandes escotes.

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  11. 7.- Siglo XIX / Henri de Toulouse Lautrec
    Uno de los artistas más carismáticos y fuertemente expresivos de este periodo fue el Conde Henri Marie-Raimond de Toulouse Lauterc Monfa, conocido como Henri de Toulouse Lautrec. (1864-1901), quién creó el arte y la técnica del cartel moderno.

    La simplicidad y economía fueron características fundamentales y descriptivas de su obra sin embargo, la capacidad de observación y la síntesis de su trabajo han hecho trascender su obra por muchas décadas. De la misma manera que Paul Gauguin, Lautrec, buscaba invitar al espectador a participar en la experiencia de la forma y el color, razón importante por la que su trabajo, fuera de gran éxito. Su curiosa apariencia, que quizá una de las razones por las que se sintió relegado de hacer una vida social normal y por lo cuál encausó su vida al hedonismo y al bajo mundo del placer y el vicio.

    Rechazando la noción de que el arte pictórico noble solo debía plasmarse en lienzo y al óleo, el 1891, Lautrec realiza su primer cartel, “Moulin Rouge - la Goulue. –“hoy fijan mi cartel en las paredes de todo París”-, declaraba orgulñloso el pintor, sería el primero de una serie de 30 que realizaría antes de su muerte diez años después. Los carteles proporcionarían a Lautrec la posibilidad de ampliar en ámbito de impacto de su arte, rompe todas la limitaciones propias de la pintura de caballete; con ello no haría sino consolidar el éxito que ya había tenido anteriormente en la exposición de los XX en Bruselas y en la del salón de los independientes de París.

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  12. 8.- Siglo XIX / Otros artistas
    Otros artistas del modernismo se consagraron en cuerpo y alma al cartel y a otros medios artístico-publicitarios. Tal vez el más famoso de ellos sería el checoeslovaco Alphonse Mucha; quien en diciembre de 1894 recibiría el encargo de la actriz Sara Bernhard, como anuncio para la comedia Gismonda, de Sardou. La exótica ornamentación bizantina y el sutil uso de color le reportarían éxito inmediato hasta el extremo de que a partir de allí solo se dedicaría a la realización de carteles que anunciaban desde obras de teatro hasta marcas de papel para cigarrillos y chocolates, pro siempre con el toqu inconfundible de imaginación y belleza características de la obra de este importante artista checo. En general, la litografía tenía la ventaja de tener una apariencia casi fotográfica, pero tenía un proceso largo y muy costoso.

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  13. 9.- Comienzos del Siglo XX
    Hacia finales del s. XIX, aparecieron las primeras fotografías en algunos libros impresos, incrementando las posibilidades del realismo total de la ilustración, la modernidad industrial aporto muchos adelantos, como el desarrollo de placas y superficies más sofisticados, que añadieron más practicidad así como avances en la maquinaria y procesos de revelado e impresión de negativos. De la misma manera las técnicas fotográficas ampliaron también las posibilidades de la reproducción de ilustraciones, la impresión de semitonos es otro proceso sobresaliente que facilito la multiplicación de obras a todo color, mediante la superposición de tramas de diferentes tintas, fragmentadas con retículas para crear tonos.

    Buenos representantes de la ilustración reproducida por esta técnica fueron: Arthur Rackman y Edmond Dulac, quienes trabajaban principalmente con acuarela, la que les permitía la creación de sus obras con semitonos.

    Posteriormente la creación de la línea negra (Black Key-line), dio la facilidad de impresión a cuatro tintas, con lo cuál los ilustradores pudieron emplear otro tipo de pintura y colores para su reproducción, tal como puede verse con las ilustraciones creadas con temple por Howard Pyle para Harper´s Magazine.Las revistas ampliaron enormemente el panorama del artista; por ejemplo Norman Rockwell, utilizó principalmente óleos en sus obras, que se publicaron en las décadas de los años 20´s y 30´s del siglo pasado en revistas como en Saturday Evenning Post, mostrando la influencia de la fotografía sobre la ilustración.

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  14. 10.- Siglo XX / Avances en Reproducción Mecánica
    Hasta la época actual, la publicidad, que puede considerarse como una respuesta al desarrollo del comercio y de la industria, se ha incrementado en casi todos los aspectos de la vida cotidiana. Con el aumento de la demanda y con el avance tecnológico del Off-set se hizo posible la reproducción e impresión a bajos costos con materiales cada vez más sofisticados. Ahora es posible reproducir obras de grandes artistas visuales así como ilustraciones a todo color debido a que estos procesos de impresión, son lo suficientemente baratos para ser comunes en carteles, periódicos, y casi en su talidad en revistas y libros ilustrados.Es así como la reproducción fotomecánica permitió la copia fiel de la obra del artista, eliminando por completo el oficio que desarrollaban los artesanos, el cuál consistía en transferir los diseños hechos por los artistas en placas elaboradas a mano.

    Así mismo desapareció la textura de las placas de madera, de piedras o placas de metal, característica inminente en las imágenes hechas con estos procedimientos. Además provocó el alejamiento gradual de las ilustraciones de documentos basados en hechos reales hacia imágenes o situaciones fantásticas o de ficción. Al comprender que la ilustración narrativa tradicional no satisfacía las necesidades de la época, los artistas gráficos del modernismo pictórico, surgidos después de la Primera Guerra Mundial, reconsideraron las posibilidades de la imagen como medio para expresar la problemática social y las ideas de esos días.

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  15. 11.- Siglo XX / El Desarrollo Conceptual.
    En una búsqueda de nuevas formas e imágenes las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, también observaron un considerable cambio más remarcado todavía en el desarrollo conceptual del Diseño Gráfico. El profesional que interpretaba plásticamente el texto de un escritor, hacia concesiones al artista gráfico y este realizaba su presentación. La historia completa de las Artes Visuales, quedaba a disposición del artista gráfico como una biblioteca de formas e imágenes realizables: en especial las posibilidades que inspiraron los movimientos artísticos de este siglo, por ejemplo las configuraciones espaciales del cubismo, las yuxtaposiciones, las dislocaciones y los cambios de escala del surrealismo, la pureza del color emanada de las referencias naturales de expresionismo y del fauvismo, así como la renovación de imágenes, masivas y publicitarias del Pop Art.

    A medida que los artistas gráficos tuvieron mejores posibilidades de manifestar su estilo, crearon más imágenes personales y encabezaron técnicas y estilos individuales. Las fronteras tradicionales de las Bellas Artes y la comunicación visual de carácter público eran confusas.

    A partir de 1920 se verificó una evolución importante en la evolución del cartel. En el momento en que este se convirtió en el medio más importante para la difusión y venta de un producto, se buscaron nuevas modalidades y técnicas para que cada modificación se distinguiera entre las demás. Se utilizaba diversamente la tipografía, se desarrollaba la utilización de la fotografía y la ilustración comercial adquiría un carácter menos figurativo y más estético.

    Todas las experiencias de los movimientos artísticos de los primeros años del s. XX fueron asimiladas para proponer una comunicación aunque destinada a finalidades comerciales, no carecía de características originales. A través de un gran número de imágenes publicitarias, se observa la búsqueda de la esencialidad del mensaje y la integración imagen-texto, y en mayor índice en los carteles producidos en este periodo solo aparece escrito el nombre del producto.

    En todos los países europeos todas estas esencias fueron rápidamente asimiladas y disminuyo progresivamente la diferencia entre las diferentes escuelas. A principios de los años 30, después de los notorios cambios políticos, en Alemania e Italia se multiplicaron formas de expresión de tipo retórico y monumental, no carente, sin embargo, de fuerza y originalidad.

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  16. 12.- Siglo XX / La Escuela Polaca del Cartel
    La creación de imágenes llego a ser significativa en Polonia, en los Estados Unidos, Alemania y Cuba. También afloró el trabajo individual en todo el mundo, cuya búsqueda de imágenes efectivas y relevantes en la época posterior a la Segunda Guerra mundial, los llevó hacia un desarrollo de imágenes más conceptual. En la sociedad comunista de Polonia, establecida después de la guerra, surge la Escuela polaca del Cartel. Los diseñadores gráficos se unen con los productores de películas, escritores y artistas de las Bellas Artes en la Unión Polaca de Artistas. Las obras de los artistas como Tadeusz Trevkovsky y Heri Tomaszewsky expresaban las trágicas aspiraciones y los recuerdos, que estaban íntimamente ligados al alma y sentimientos nacionales de Polonia en la Posguerra. El Cartel ha llegado a ser un orgullo nacional en Polonia y su papel en la vida cultural, ha sido de singular importancia. El 1964 se inicia en Varsovia la primera Bienal del Cartel Internacional y en Wilanow, cerca de Varsovia se establece el Muzeum Plakatu, primer museo a nivel de mundial dedicado únicamente al Cartel Artístico. Los diseñadores de carteles polacos han logrado algo que es raro en la historia de las Artes Visuales. A un grupo de artistas individuales se les ha dado la libertad de expresar sus actitudes personales, investigaciones gráficas, y hasta sus fantasías particulares. Durante la década de los 50´s el cartel polaco comenzó a reconocerse en todo el mundo.

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  17. Ilustración

    La ilustración se desarrolla como una fusión entre pintura, cartel o comic, extendiéndose a todos los sentidos del arte, se usaba para comercializarse en los textos y a partir de él se ilustraba, también se encontraba en las portadas de los discos o de los libros, hoy en día se trata de cambiar esta percepción empezando a separarse más de la comercialización en cuanto a la publicidad, pero aún así por el cuestionamiento de las masas, casi todos pueden ver su imagen.
    Tiene orígenes diversos como cartel o comic, pero aun así, el comic es algo muy diferente a la ilustración contemporánea, siendo lo narrativo en la Imagen.

    Unos de los que retoman la ilustración es Andy Warhol con el arte pop, donde se usaban los carteles para la mercadotecnia, después de los carteles, la ilustración se ve como una historieta o un medio que sirve de guía de libros, revistas, y para difusión de la industria cinematográfica.
    Los medios digitales son un medio que contribuye mucho a la ilustración, en la actualidad en muchos casos tienen inclinaciones hacia el diseño, siendo fácil de reproducir. En toda obra se ve implicado el hombre, siendo este el principal autor del objeto en el que todo arte es producción ante la demanda del mismo hombre, la ilustración se produce en masa por el hecho de que al original se le crean copias certificadas, y el arte en la pintura se crea en unidades por que los mismos cuadros siempre serán distintos en cuanto a color, texturas, proporciones escalas, soporte, etc.

    La ilustración en si es su propio soporte, busca que tenga un valor narrativo sin ir acompañada de un texto como apoyo, se le considera arte por el hecho de ir acompañada de técnicas mixtas tradicionales, ya que cumple con todos estos requerimientos técnicos, y por el hecho de conectarse a las ates y al diseño, pero en si no se define tanto como arte o diseño, ya que esta en medio de los dos.

    Pareciera que la ilustración nace con la imprenta, con los autores de los 70s´ 80s´, pero en realidad nace desde antes con los egipcios, pero ahora con las funciones contextuales que se tienen en galerías, sería igual al arte, y en los libros solo es ilustración, por el hecho de que está en la masificación y al alcance de todos, pero más que arte o no, es el sentido que le das a la ilustración.

    La ilustración da mucho de qué hablar, está en un campo de diversidad, no se puede limitar a un tema en específico, siempre habrá hilo que sacar.

    Un libro de Luis Raya habla sobre la Ilustración de un modo relevante, y considero rescatable compartirlo:
    “Para la ilustración, con la simple imagen, das todos los datos, la imagen habla por sí misma. Se usan diferentes técnicas mixtas, el oleo, aerografía, grafito, acuarela, en las que se cuida mucho el detalle… las hay de tamaños muy diferentes, y en sus partes textuales es donde hay mucha textura, casi todas las ilustraciones están en papel blanco y el ilustrador entrega su original para su reproducción.”

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  18. Bueno ya no encontre el link donde estaban los 12 puntos que ya he publicado aca. Pero en fin, les dejo aqui un link a una pagina bastante interesante de diseño, arquitectura, ilustracion, arte, etc, chequenla. Propongo que todos llevemos imagenes la proxima sesion de manera que nuestro punto de partida visual no se quede en 2 o 3. Y respecto a la sesion de hoy definitivamente hizo falta delimitar mas el tema. Pero aun asi a partir de eso surgieron muchisimas cuestiones a discutir, esperemos la proxima sesion esclarecer algunas.

    http://yatzer.com/

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  19. Siendo completamente honesta no sé cómo responder las preguntas del director de sesión, quizás porque no encuentro enigma en si “la ilustración puede llegar a ser arte o no?” o quizás si lo tiene, pero no lo logro distinguir. Claro que la ilustración es arte, pero no todo. Como lo advertimos en la sesión resulta muy ambiguo hablar de la ilustración de manera general y por lo tanto no se puede llegar a una conclusión.

    Así que con las dificultades que conlleva hablar de forma general, señalaré algunos puntos que a mí parecer son importantes.

    -El lugar en el que se ubica a la ilustración entre el arte o el diseño. La dirección que toman cada uno de estos, el diseño está inmerso en la mercadotecnia, dentro de una institución o empresa para la cual trabaja. (Hablamos de esto ya, es la sesión 001) . ¿Qué tiene de malo que lo vean millones de personas ya sea en páginas web, portadas de discos, comics, libros etc.?

    ¿Por qué todo tienen que entrar en un museo?
    -La ilustración nació como decoración de libros, textos, con la finalidad de hacer grandes tirajes. El que la ilustración sea masiva no me parece que “demerite” o sea uno de los factores por los cuales no “llamarle arte a la ilustración”.
    Sin embargo, el que haya surgido con un propósito en particular no impide que pueda ser otra cosa.

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  20. sergio o. hernandez castellanos
    Las etiquetas son casi como una necesidad humana.
    La relación distanciada que guardaba el arte con otras disciplinas como el comercio y el diseño, ha quedado en el pasado, cuando analizamos nuestra contemporaneidad donde el arte se vuelve más universal y vemos a creadores trabajando desde la inter-disciplina, la definición de arte cambia de nuevo. Nos sacan de nuestro círculo de comodidad y entramos en un momento de crisis o de confusión al no saber definir si se trata de arte o no.
    Cuando cuestionamos si la ilustración es arte o no, también hay que cuestionarnos que es el arte en sí, y cuál de las muchas definiciones que ya que existen se ajustan a nuestra propia necesidad de definición.
    La ilustración es por demás un tema diverso y complejo, casi lo mismo que ocurre en el arte, donde existen varios mundos dentro de otro mundo, en la ilustración es lo mismo: abarca desde el ilustrador que hace trabajos para publicidad, hasta el que hace ilustración de crítica política. Sería erróneo hablar generalizando y encasillar a la ilustración dentro de un solo contexto general, es más certero analizar casos específicos del trabajo de ciertos ilustradores. Pienso que la ilustración es un tema muy interesante y hasta podría atreverme a decir que es casi como un referente de nuestra actualidad, en un futuro distante lo que marcara a este tiempo (artístico-estético), podría ser fácilmente la ilustración.

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  21. JAIRO RAMIRO GONZALEZ DIAZ
    SECCION 01


    Hablar de ilustración en general puede llevarnos a un sinfín de cosas de las que podríamos opinar, aun mas si nos preguntamos si la ILUSTRACION puede ser arte.
    Podemos decir que la ilustración es una manera de representación, en conceptos mas amplios (que encontré en el diccionario) se denomina ilustración al dibujo o imagen que adorna ó documenta el texto de un libro, entonces si se le quita el texto, deja de ser ilustración?
    Es difícil decir que la ilustración es arte o parte del diseño, creo que la ilustración se debe mantener otro nivel, es decir no ser ni arte ni diseño, ser solamente ilustración. Además para catalogar la ilustración en alguna de estas dos ramas debemos preguntarnos que es el arte y que el diseño y porque la ilustración encaja en alguna de estas dos.
    Este seria un concepto de ilustración en el diseño:
    Definamos primeramente la palabra "Ilustración":
    ilustración, (de ilustrar) sust. Estampa, grabado o dibujo que adorna ó documenta un libro. Componente gráfico que complementa o realza un texto.
    Las ilustraciones son imágenes asociadas con palabras. Esto significa que podemos producir imágenes que llevan un mensaje, como las pinturas rupestres, y los mosaicos religiosos. Un buen punto de partida son los manuscritos medievales. Un aspecto importante de la ilustración es el uso de diseños bidimensionales, a diferencia de las imágenes pintorescas y espaciales que tratan de captar la tercera dimensión.
    Breve historia de la ilustración:
    Los orígenes de la ilustración son tan antiguos como los de la escritura. Las raíces, tanto de la ilustración como del texto, se encuentran en los pictogramas (símbolos que representan palabras o frases) y en los jeroglíficos (imágenes de objetos que representan palabras, sílabas o sonidos) desarrollados por culturas antiguas como los egipcios, los mayas, los olmecas o los hititas entre otros.
    En la edad media, los libros ilustrados eran producciones especiales para ceremonias y exhibiciones, y al artista se le pedía no solamente decorar, sino explicar el texto, esto es, crear imágenes que tuvieran una función práctica, el contenido visual.
    En una época en la que poca gente sabía leer, estas ilustraciones eran valiosos auxiliares para la comprensión del texto. El amanuense escribía el texto, mientras que el pintor ponía las miniaturas, hacía las iniciales y decoraba los bordes.
    Algunas veces las ilustraciones cubrían toda una página.
    Algunas veces las imágenes eran mas importantes que las palabras y las pinturas eran puramente descriptivas, o al menos es lo que trataban de ser.
    En sus libros científicos, Leonardo da Vinci, consideraba que la tarea de las palabras era explicar la imagen, y el propósito de las pinturas es comunicar información. Por supuesto que da Vinci tiene un lugar muy importante en la historia de la ilustración.

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  22. Diana Paola Aparicio Jimenez
    Sec. 03

    Como ya lo habia comentado en clase, en lo personal la "Ilustracion" si es arte, pero depende tambien del tipo de ilistracion por que en lo personal el alguno tipos de comic a mi no se me hace artistico ya que es algo repetitivo y su estilo es muy similar, pero por ejemplo los trabajos de Ashley Wood se me hicieron muy buenos y artisticos, tambien las imagenes que presentaron estaban muy interesantes y creo que este tipo de ilustracion en lo personal sip son arte, en este caso nos cuestionariamos una cosa mas, ¿El diseño es arte? ¿La ilustracion es arte o diseño?.

    La ilustracion cuenta con distintas ramas entonces tenemos que llegar a un acuerdo y dar una definicon especifica y concreta para asi poder contestar las preguntas realizadas por el director de sesion, ya que todos tenemos distintas formas de pensar y diferentes ideas sobre este tema, espero se aclaren y complementen todas nuestras dudas en la siguiente sesion pero sin salirse del tema.

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